Paulo Leônidas

Arquiteto e Urbanista, Roteirista e Diretor de Arte 

Um dos chavões da história da arte é que jamais devemos tentar escrever a história do passado recente. A razão dada é que provavelmente seremos tendenciosos.

Evidentemente é preciso ter cautela ao se lidar com desenvolvimentos que são contemporâneos a nós, mas é ingênuo imaginar que um consenso aceitável surgirá espontaneamente. Se o historiador recua, o propagandista entra em cena e ataca furiosamente, em geral com uma versão polêmica do que é mais “evidente”.

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É melhor não nos basearmos nos “ismos”, uma vez que estes não fazem distinção entre as criações duradouras e os primos mais fracos que simplesmente vestem a roupa da moda.

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Não esqueçamos que ver precede as palavras.

Na sociedade em que vivemos, a maneira como vemos as coisas é afetada acentuadamente pelo que sabemos ou pelo que acreditamos. Na era da reprodução pictórica, o significado das pinturas, por exemplo, não está mais a elas vinculado. As obras de arte hoje em dia são frequentemente envoltas de palavras.

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É difícil definir exatamente como as palavras modificaram a imagem, mas é indubitável que elas o fizeram. Agora, é a imagem que ilustra a frase.

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A arte sempre é contemporânea do ponto de vista filosófico

A arte dita ”Contemporânea”, esvaziada ideologicamente de talento e originalidade, se transformou em uma crença.  A arte “Contemporânea” é de alguma forma herdeira das ideias oriundas dos cânones do “Ready Made” de Marcel Duchamp.

Vivemos hoje sem dúvida um novo ciclo do ”neocolonialismo euro-centrista” estético caracterizado dominantemente por uma arte que se caracteriza por uma produção evidentemente maneirista.

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A arte “Contemporânea” é definitivamente um estilo, que impõe.....

Conforme este estilo tudo o que o artista elege e designa converte-se em arte. A arte fica reduzida a uma crença fantasiosa e a sua presença a um significado. Essa forma de pensamento permite que qualquer pessoa seja considerada um artista e que qualquer objeto possa ser uma obra de arte.

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Qualquer objeto se transforma em arte através de um fenômeno de linguagem, centrado na conceituação da obra, no significado, na intenção do artista, no discurso curatorial, no contexto e em última análise, num exercício retórico. Um estilo que precisa de um intermediário que explique a “obra de arte” e que elimina a ideia de gênio artístico para que assim todos possam ser artistas.

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Para exemplificar esta constatação deste ”neocolonialismo euro-centrista” e da retórica na arte, lembramos recentemente a exposição “A Fonte de Duchamp” realizada em Porto Alegre este ano, num espaço nobre e com enorme divulgação, comemorando os 100 anos da famosa Fonte de Marcel Duchamp (1887-1968), que se constituía nada mais do que um simples mictório de porcelana, transformado em obra de arte ao ser girado de posição, assinada obviamente pelo autor da iniciativa, e apresentada para uma exposição.

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Desde lá esta “obra” então tornou-se uma espécie de Santo Graal do estilo “Contemporâneo”  com sua retórica do  desprezo “endêmico” pela beleza e pelo talento. E por coincidência, como o Santo Graal, a Fonte jamais foi vista pelo público, pois nunca foi exibida e desapareceu logo depois de sua criação. O que temos hoje é uma única foto do original e muitas réplicas!

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O mais interessante é que neste mesmo ano de 1917 no Brasil acontecia um dos fatos mais marcantes para a arte brasileira e não tem merecido comentários, críticas e muito menos uma exposição num salão nobre de um grande museu. Mais uma vez o “neocolonialismo euro-centrista” professado pelos crentes da intelectualidade dominante brasileira continua fazendo vítimas, no caso a artista Anita Malfatti.

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É consensual, entre os historiadores, que o marco inicial do movimento moderno no Brasil aconteceu em São Paulo, em dezembro de 1917: a exposição de pinturas de Anita Malfatti (1896-1964). A jovem artista não pretendia com suas telas de caráter fauve, inaugurar nenhum movimento, mas a reação negativa, sobretudo a do escritor Monteiro Lobato (1882-1948), provocada pelas suas pinturas sem nenhuma relação com o academicismo e o naturalismo vigentes, chamou a atenção de jovens intelectuais que se solidarizaram com a pintora. Articulava-se o primeiro grupo modernista brasileiro.

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Mas o esquecimento de um fato tão importante na historia da arte brasileira não é por acaso.

Vivemos no Brasil uma arte “Contemporânea” que é construída por vários atores que legitimam um sistema carente de talento e proposta, que nitidamente rechaça a historia de um povo. Não há obras para se falar mas sim se fala de “teorias”, pois as obras são apenas “objetos carregados de slogans”, e que preferem se concentrar na retórica e estritamente no “impacto” que produzem estas obras.

Neste sistema retórico, qualquer coisa é “arte”.

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Como diz o filósofo Michel Onfray em seu livro “A Força de Existir“: “As galerias de arte contemporânea exibem com complacência as taras de nossa época”. A arte “contemporânea”, de maneira geral, manifesta e reforça um aspecto doentio de nossa época e como tal significa um retrocesso na inteligência humana. O desprezo endêmico que tem pela beleza, a perseguição que realiza contra o talento, o menosprezo pelas técnicas e pelo trabalho manual, pelo passado, está reduzindo a arte a uma deficiência inimaginável de nossa civilização.

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As obras de arte do estilo “Contemporâneo” se converteram numa imensa rapsódia de teorias e substantivos, um sistema de arte convertido numa sucursal eficiente e estratégica da produção capitalista, una maquinaria industrial que consome a vitalidade criativa e a capacidade social da imaginação, um sistema narcisista que se nutre dos ânimos “subversivos” dos jovens e dos recém chegados (a fonte de sua eterna juventude) assim como da crítica auto referencial de seus produtos fantasmáticos.

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Existe uma divisão bem clara realizada pela Academia e os teóricos da arte “Contemporânea” do que é este estilo. Estes chamaram arte “Contemporânea” as manifestações que respondem diretamente as denominadas ferramentas de nosso tempo e neste sentido assim englobaram Vídeo, a Instalação e a Performance, designada a partir de agora em diante por mim como arte VIP. E por incrível que possa parecer deixaram de fora da “contemporaneidade” artistas que estão trabalhando agora, pintando, esculpindo e que podemos analisar com valores reais. A partir disto constatamos que a arte “Contemporânea” está promovendo uma grande ilusão artística e ao meu ver, algo muito pior ainda, uma grande ilusão ideológica.

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Percebe-se depois de todos  estes anos deste “estilo” de arte, profetizado como libertário, é que ele é endogâmico, elitista, com vocação segregacionista, realizado por uma estrutura burocrática, apoiado pelas instituições e patrocinadores. Sua obsessão pedagógica, sua necessidade de explicar cada obra, cada exposição, sua  produção de textos, torna explícita a imposição de critérios, a negação da experiência estética livre, define, sem dúvida, a intelectualização da obra para sobrevalorizá-la e para impedir que a percepção seja exercida com naturalidade.

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Neste estilo da arte a criação é livre, mas a  contemplação não é.

A arte “Contemporânea” foi criada em países industrializados ocidentais onde uma visão de mundo progressista floresceu temporariamente e onde grupos de vanguarda tentaram produzir um estilo moderno autêntico apropriado às condições sociais que mudavam rapidamente.

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Este padrão curioso teve seus resultados copiados em todo mundo e frequentemente aplicados de maneira errônea. Além disso, somente a partir da década de 40 as formas ”contemporâneas” tiveram algum impacto significativo nos países menos desenvolvidos e estas formas geralmente careceram da poesia e da profundidade de significado das obras – primas do movimento da arte “contemporânea”.

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A disseminação dessa versão degradada do projeto “contemporâneo” ocorreu de várias formas: através da colonização contínua, sendo neste caso imagens da “contemporaneidade”, que funcionavam como emblemas do controle estrangeiro econômico ou político; através da lavagem cerebral de elites “pós-colonial” com imagens e ideias eurocêntricas que eram defendidas como “ forças progressistas” opostas a uma era mais antiga de “atraso e estagnação’.

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As novas classes arrivistas pareciam querer se desassociar do peso de sua história recente e experimentar nada menos do que as “liberdades” consumistas do Ocidente.

A ironia é que tantos países, finalmente livres do domínio colonial ostensivo, tenham sido tão facilmente persuadidos a adotar versões vulgares e seus clichês padronizados  da arte “Contemporânea”  ocidental.

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Entendo que num mundo, infelizmente tão globalizado, o que ser faz necessário é uma mistura do local e do universal, que evite as limitações de cada um e que leve a formas de ressonância simbólica duradoura. A crença do estilo  “Contemporâneo”, superficial e degradado e o tradicionalismo impulsivo são males a serem evitados em todo lugar do mundo.

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Como o autor John Berger no seu livro “Ways of seeing” nos diz “A História está sempre a constituir a relação entre um presente e seu passado. Consequentemente, o medo do presente conduz à mistificação do passado. O passado não é para viver nele; trata-se, na verdade, de um poço de conclusões, dele extraídas, para nosso intuito de agir.”

Um povo afastado de seu próprio passado está muito menos livre para escolher e agir como um povo do que aqueles capazes de situar-se na História. Eis por que e esta é a única razão, a arte inteira do passado tornou-se hoje uma questão política.